Cousin Kula, bekannt für ihre beeindruckenden Live-Auftritte, kommen nach einer erfolgreichen Show auf dem Glastonbury Festival und einer ausverkauften UK-Tour mit ihrem neuen Album “Vitamin D” im Oktober nach Mitteleuropa für ihre erste große Headliner-Tour. Die Band von den sonnenverwöhnten Hügeln am Stadtrand von Bristol vereint in ihrer Musik Jazz, Clubkultur und Psychedelia.

Ihr Debütalbum “Double Dinners” wurde 2021 veröffentlicht und von CRACK, The Guardian und Gilles Peterson gelobt. Während des Lockdowns produzierte die Band eigene Live-Sessions, die zu einer Boiler Room Session und einer Zusammenarbeit mit BADBADNOTGOOD führten.

Während “Double Dinners” noch den Herzschmerz verarbeitete, bietet das neue Release “Vitamin D” einen unverwechselbaren und erfrischenden Sound zum Wiederverlieben. Die warmen Bläser, der sorglose Groove zwischen Indie-Soul, Disco und Funk, sowie die optimistische Botschaft „Summers coming!“ prägen das durchweg gelungene Album.

Ihr zeitloser, psychedelischer Disco-Vibe hinterlässt sowohl Verliebte als auch TänzerInnen mit einem “Good Feeling”.

Support: BABY SMITH

Baby Smith ist das Resultat der musikalischen Verbindung zwischen den australischen Songwriter*innen Ray Sonder und Saxon Gable. Nach ihrem jeweiligen Umzug nach Berlin trafen sich die beiden Neuankömmlinge zufällig am berüchtigten Kottbusser Tor und schlossen schnell Freundschaft. Klassisches Songwriting aus den 60er Jahren, sowie Vintag-Kleidung-und Möbel wurden schnell zum verbindenden Element. Nach dem Bezug einer gemeinsamen Wohnung begann auch das gemeinsame Musizieren und erste gemeinsame Songskizzen entstanden.

Anna Erhard brilliert mit abenteuerlustigen Indiepop-Grooves und trockenem Humor.

Geboren in der Schweiz, seit drei Jahren in Berlin zu Hause veröffentlichte sie bereits die zwei von Pola Roy (Wir sind Helden) produzierte Alben SHORT CIRCUIT und CAMPSITE. Zuvor war Anna Erhard Sängerin und Gitarristin der Baseler Indiefolk-Band Serafyn, die Mitte der 10er-Jahre zwei Alben
veröffentlicht hatte. Danach fühlte es sich für Anna Erhard jedoch so an, als sei der Bandsound auserzählt. Sie zog nach Berlin, spielte erste Solo-Gigs, ließ sich beim Songwriting vom neuen Zuhause inspirieren. „Beziehungen und Begegnungen in Berlin sind flüchtiger, das gesamte Leben ist mehr im Fluss“, sagt sie. „Klar, dass diese Erfahrungen meine Songs beeinflussen.“

In den 90er-Jahren haben Alternative-Acts wie Beck oder Luscious Jackson eine solche Art von Deadpan- Slacker-Pop gespielt. Jetzt bringt Anna Erhard diesen Sound zurück – und noch einige Klänge mehr. Ihre Musik besitzt einen ungeheuren Reichtum an Stilen, Melodien und Storys.

Es macht viel Spaß, Anna Erhard auf ihrer Reise durch ihre Songs zu begleiten. Zu erkennen, wie sie spielerisch die Stimmungen ihrer Musik verändert. Wie sie die Wörter mal fließen lässt, mal sehr genau formuliert. Und wie sie damit Wege findet, dem Genre Indie-Singer/Songwriter neue Perspektiven zu eröffnen.

Support: OTTO VON BISMARCK

Ottmar Seum, geboren 1959, brach in den späten 1970ern seine Ausbildung ab, um in der Frankfurter Postpunk- und Jazzfunk-Band GRABHUND zu spielen, die 1981 ein Album veröffentlichte. Nach der Auflösung der Band zog er nach Berlin und gründete 1984 die Punk-Band The Bonkers. Nach deren Trennung gründete er 1985 die Space Cowboys, die mit ihrem innovativen Sound und auffälligen Outfits erfolgreich waren. Nach deren Auflösung widmete sich Otto dem klassischen Songwriting und spielt heute in einem Trio mit Daniel Nentweg (Whitest Boy Alive) und Robert Kretzschmar (Kat Frankie).

Die Veranstaltung ist ausverkauft. Es sind leider keine Tickets mehr an der Abendkasse erhältlich.

KLASSENTREFFEN
politisches Stand-up

Thema Jean-Philippe Kindler, er hat ein neues Soloprogramm, man muss einmal was dazu sagen: „Klassentreffen“ entspringt dem Bühnengenre der hemmungslosen Pöbelei: Es wird laut, es wird derb, es wird unversöhnlich. In der Mediengeschichte Deutschlands hat es wohl noch nie zuvor einen Satiriker gegeben, der sowohl von der BILD-Zeitung, als auch von einigen Linken als „Hetzer“ bezeichnet wurde. Glücklicherweise haben beide Seiten Recht, denn Jean-Philippe Kindler will vor allem eines: Spalten. Die Satire des deutschen Kabarettpreisträgers will gesellschaftliche Gräben nicht nur aufzeigen, sondern noch weiter aufzerren, damit man diese nicht mehr übersehen kann.

„Klassentreffen“ ist eine Hommage an die Unversöhnlichkeit: Ob im WDR-Rundfunkrat oder in der abgerockten Studi-WG – Kindlers Inhalte lassen die Fetzen fliegen, dass einem das Karl-Marx-Gesichtstattoo nur so von der Schläfe rutscht. Und dabei will Kindler ja nur eines: Das Gemeinsame in der Spaltung finden. Im Kapitalismus geht das Gerücht um, so etwas wie soziale Klassen gäbe es nicht mehr: Denn wenn selbst Großkonzerne mit Diversität werben, dann haben doch schließlich alle Menschen die gleiche Chance – zumindest darauf, ausgebeutet zu werden.

Und doch gibt es sie, die gute, alte Klasse. Die Champagner-Marxisten. Die Antifa-Atzinnen. Die Rentner ohne Rente. Die zarten Radikalen, die Azubis und die Studis. Kommt zum Klassentreffen, für ein wenig Nachsitzen gegen das Bestehende.

„Der Satiriker Kindler schafft es, sein Publikum mit seinen eigenen Gedanken zu berühren, ohne Klischees zu bemühen. […] Kindler ist ein Kämpfer für die Gerechtigkeit, der die Worte und die Sprache liebt. Und die lieben ihn zurück.“
– Jury Prix Pantheon, 2020

“Jean-Phillipe Kindlers Kunst behandelt Armut und Prekarität mit sensiblem und unzynischem Witz, der nicht wie so häufig die Betroffenen, sondern die gesellschaftlichen Verhältnisse bloßstellt.”
– Katja Kipping, die Linke

“[…] Da ist er mehr Volker Pispers denn zarter Komiker, nur witziger. Kabarettisten dieses Schlages sind rar geworden, Kindler macht Hoffnung.”
– Thomas Zimmer, Badische Neueste Nachrichten

Asher Roth ist ein Künstler, der dafür bekannt ist, Momente durch seine Musik einzufangen. Seit über einem Jahrzehnt zeigt Roth sein Talent für weitreichende Referenzen und fortgeschrittene Flows. Ursprünglich aus Morrisville, PA zog Roth nach Atlanta, wo er mit DJ Drama und Don Cannon zusammenarbeitete, um das Mixtape “The Greenhouse Effect” im Jahr 2008 zu veröffentlichen.

Nach seinem Umzug unterschrieb Roth bei Steve Rifkind von Loud Records und Scooter Braun von SB Projects. Dies führte zur Veröffentlichung seiner Doppel-Platin-Single “I Love College” und seines goldzertifizierten Debütalbums “Asleep in the Bread Aisle” im Jahr 2009. Als er 2010 “Seared Foie Gras with Quince and Cranberry” herausbrachte, war klar, dass Roth seinen eigenen Weg in der Musikindustrie beschritt.

Roth kultivierte eine engagierte Fangemeinde durch kostenlose Alben wie “Pabst & Jazz” und Kollaborationen mit Künstlern wie Nottz und Travis Barker. Dieser Ansatz ermöglichte es ihm, eine Karriere mit Schwerpunkt auf Gemeinschaftsengagement zu entwickeln. Sein Glaube an Nachhaltigkeit inspirierte ihn dazu, Sunflower Philly, einen Open-Air-Veranstaltungsort in seiner Heimatstadt Philadelphia, zu schaffen, der während der Pandemie eine Plattform für Künstler bot.

Dieses Engagement für seine Gemeinschaft inspirierte auch seine unabhängigen Veröffentlichungen „Retrohash“ und „Flowers On The Weekend“. Erstere ist der Name seiner Künstlerentwicklungsfirma, die kürzlich eine Rolle bei der Erweiterung der „The Greenhouse Effect“-Serie spielte und zu den kollaborativen Alben „Why’s It So Grey Out?“ und „Temporary Heaven“ mit Heather Grey führte. Asher erweitert weiterhin seine Diskografie und baut seinen Ruf als einer der besten Live-Performer im Hip-Hop auf.

Präsentiert von Viva con Agua Erfurt

Herkömmliche Referate in der Universität langweilen dich? Dein Job gibt dir keine Freiräume, oder laberst du einfach gern drauflos? Dann bist hier und heute genau richtig. Wir losen den Referenten, eine Präsentation und ein Thema. Du musst agieren, reagieren und vor allem improvisieren.
Der Eintritt kommt vor Allem der Trinkwasser-Initiative Viva Con Aqua zu Gute. Auf alle Freiwilligen wartet endloser Ruhm und ein Preis.

Es können maximal acht TeilnehmerInnen mitmachen. Meldet euch also an unter info(at)franz-mehlhose.de oder per Facebook-Nachricht!

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Die Veranstaltung ist teilbestuhlt
Alle TeilnehmerInnen haben freien Eintritt und bekommen einen Begrüßungs-Schnaps zum Lockerwerden.

“Das Jazz Quintett J’USED findet einen Weg aus der verwirrenden Vielfalt der Möglichkeiten und macht modernen Jazz ganz ohne Kraftmeierei.”
– Jazz’n’More

J’USED bewegen sich dynamisch und energetisch durch die Sphären ihrer von Orten und Menschen inspirierten Kompositionen. Spielerisch verbindet das Quartett die Tradition des Jazz mit einer Vielfalt zeitgenössischer Einflüsse und fühlt sich am wohlsten, wenn nicht nur individuelles handwerkliches Geschick, sondern das Erschaffen kollektiver Klangräume im Vordergrund steht. Verbindendes Element ist für die vier Musiker dabei immer ihr ausgewogener akustischer Sound.

Oliver Naumann – Altsaxophon
Lukas Moriz – Piano
Eduardo Sabella – Kontrabass
Johannes Lüttgen – Schlagzeug 

präsentiert vom Highslammer e.V.

Poetry Slam ist ein Wettstreit der Bühnenperformance und der Texte. Erlaubt ist dabei kein Schnickschnack, nur ein selbstgeschriebener Text und 6 Minuten Zeit, um das Publikum zu überzeugen. Und das alles in der FRANZ MEHLHOSE – stets mit feinster Stimmung und handverlesenem Lineup.

MITMACHEN?! Kein Problem: Trag dich in unsere “offene Liste” ein und du bist dabei! Schreib an: slamspiele@gmail.com.

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Moderation: Friedrich Herrmann.
Die Veranstaltung ist teilbestuhlt.

Die Singer-Songwriterin Dora Morelenbaum ist eine der beeindruckendsten Stimmen an der Spitze der aufregenden neuen Musikbewegung Brasiliens. Dora ist Mitglied des brasilianischen Latin-Grammy-gekrönten Superstar-Quartetts Bala Desejo, ein wegweisendes Licht, das die brasilianische Musik einem ganz neuen Publikum außerhalb des Landes eröffnet. Ihr Soloprojekt tritt in die Fußstapfen von Joyce, Gal Costa und Maria Bethâniaist. Es ist leichtfüßig, getrieben vom brasilianischen Geist und der Liebe: pure Glückseligkeit, Hoffnung, Optimismus und Euphorie . Das neue Album wurde von einem der Stars der aktuellen Szene in Rio, Ana Frango Elétrico, produziert.

Olicía sind mit ihrer Musik unablässig auf der Suche nach neuen Ideen, ihre Songs werden dabei zu immer neuen Fassungen, Formen und Erkundungen von Gefühlen und Lebensumständen. Das Bandprojekt der beiden Multiinstrumentalistinnen Anna-Lucia Rupp und Fama M’Boupent wirft einen völlig eigenen Klangkosmos, der Einflüsse zwar zulässt, diese aber nie als bloße Zutat begreift. Wenn es aber einen Fixpunkt im Olicía-Kosmos gibt, dann ist es der Umgang mit der Stimme, und zwar längst nicht nur durch die Verwendung der Loopstations und Effekte.

Beide schreiben meist gemeinsam an ihren Songs, übernehmen gleichberechtigt Vocalparts und offenbaren dabei unterschiedliche Klangfarben und ein umfangreiches Potpourri verschiedener Techniken. Es gibt geloopte Stimmfetzen, die den Rhythmus antreiben oder den Background dekorieren und die oft gar nicht von mechanischen Instrumenten, wie Synthesizern oder Percussionzu unterscheiden sind.Fama M’Boup und Anna-Lucia Rupp leben derzeit in Berlin und Kopenhagen mit einer gemeinsamen Basis in Dresden. Dort haben sie sich während ihres Musikstudiums kennengelernt und bald darauf die Band und ihr eigenes Label o-cetera gegründet, auf dem nun nach zwei Ep’s und zahllosen Konzerten in den letzten Jahren ihr Debütalbum erscheint. Aufgenommen wurde es im Berliner Monoton Studio zusammen mit dem aus San Francisco stammenden Produzenten und Autor Miles Deiaco.

Sophie Hunger hat die beiden vor Kurzem für die Tourband zu ihrem aktuellen Album „Halluzinationen“ gewonnen. Die Musik ihres Albumdebüts „Liquid Lines“(VÖ: 1.10.21) ist ohne klare Vorbilder oder eindeutige Vorgänger. Sie bewegt sich im Spannungsfeld zwischen menschlicher Stimme, akustischen Instrumenten, freier Improvisation und dem Einsatz moderner elektronischer Möglichkeiten. Irgendwann haben sie dem Ganzen den Genrenamen “electronic handmade loopjazz”gegeben. Fragmentierter, elektroider Soul, verspielter, vielsprachiger Global Pop, die Ergriffenheit des Folk und ein dem Jazz entlehnter Ansatz der Improvisation innerhalb einer festen Struktur.All diese disparaten Elemente vereinigen sie in erstaunlich konzisen, direkten und emotionalen Pop Songs.Alles was dabei auf der Bühne zu hören ist, entsteht dabei im Moment, nichts ist vorproduziert.

FAMA M’BOUP Stimme, DrumPad, Asalato,Klavier, Percussion
ANNA-LUCIA RUPP Stimme, Pocketpiano, Synthsbass, Klavier, Percussion

Präsentiert von:

Hamburg Spinners – die Orgel-Jazz Gruppe um den Hamburger Musiker EROBIQUE – kommt mit ihrem im Herbst erscheinenden neuen Album „Hamburg Spinners im Schwarzwald“ auf Tournee.

“Fabiana ist eine der aufregendsten Geigerinnen, die in den letzten Jahren in der Jazzszene aufgetaucht sind! Ihr Spiel ist die perfekte Kombination aus Beseeltheit, Überraschung, schönem Klang und großartiger Technik!“ – Ken Peplowski, New York

1988 in Deutschland geboren. Ihre ersten Jahre verbrachte sie mit ihrer Familie in Italien und entdeckte schon früh ihr starkes Interesse an Kunst und Musik. Als junge Erwachsene zog sie nach Spanien, kehrte 2009 nach Deutschland zurück und studierte Jazz und klassische Violine an der Universität der Künste Berlin, der UdK und der Hochschule für Musik Hanns Eisler. Sie gilt sowohl als brillante als auch robuste Geigerin und lebt derzeit zwischen Berlin und Paris.

Ihr Debütalbum Mahagoni wurde vom Deutschland Funk als „Bestes Album“ des Jahres nominiert. Ihr zweites Album Sweet And So Solitary wird von der Zeitschrift Zitty als „Revolution im Jazz“ bezeichnet. Für ihr drittes Album Archiotíc erhielt sie eine Nominierung für die Europe Jazz Media Charts und wurde für den deutschen Jazzpreis nominiert. Sie gilt als eine der „gefragtesten Geigerinnen im deutschen Jazz und Pop“ (Ö1). Im April diesen Jahres erschien ein weiteres Album zusammen mit dem Cellisten Karsten Hochapfel, La Plume Du Dimanche.

Fabiana Striffler: violin
Julia Bilat: cello
Jörg Hochapfel: synthesizer / melodica / piano
Paul Santner: electric guitar

Bei 20er Jahre Ambiente und Kronleuchtercharme präsentiert Friedrich Herrmann »Gelungener Abend – Standup Comedy«. Hier erwarten euch ausgewählte Stand-Up-Comedians mit ihrem besten Material. Keine Latzhosen und Schnurrbärte, sondern authentischer und smarter Stand-Up, der zuvor auf zahlreichen Open Mics getestet und rundgespielt wurde.

Lineup:
tba.

Das Medium 16mm-Film passt ausgezeichnet in die goldene Zeit des Lokals FRANZ MEHLHOSE um Anfang des 20. Jahrhunderts. Deshalb haben wir den Pianisten Richard Siedhoff eingeladen. Er gräbt immer wieder neue Schätze aus und begleitet sie bei uns live am Klavier. Der ganze Abend ist eine Reise in die Zeit der innovativen Komödianten, ratternden Projektoren und Faszination für das aufregende Medium Kino.

Songs mit fesselnder Tiefe, beeindruckende Vocals in schwereloser Harmonie, coming of age in reverb. So Soon um die Multiinstrumentalisten, Songwriter und Producer David Stöbener und Marco Braun schaen Musik, die trotz eines impressionistischen Ansatzes im Sounddesign und Storytelling enorme Größe und Kraft entwickelt. Indie Pop und Folk verschmelzen mit Electronica und Postrock zu einem bewegenden Ganzen – sowohl auf den Aufnahmen, als auch in mitreißenden Konzerten mit voller Band. 2024 erscheint So Soons Debut im Albumformat, begleitet von einer umfassenden Tour.

Wir führen unsere Tradition der beschaulichen Adventsmärkte fort! Schon die letzten Male stöberten viele viele Gäste über den ganzen Tag verteilt an den kleinen Ständen. Am 3. Advent gibt es bei uns ausschließlich Selbstgemachtes, Malereien, Kunsthandwerk usw.

Wieder wollen wir neben den herkömmlichen Ständen auch die Besucher zum Selbstmachen animieren.
Mit Ständen, an denen Kinder und Erwachsene eigenständig kreativ werden können und eigene Geschenke anfertigen.

Unser Café hat natürlich geöffnet. Ihr könnt also in entspannter Atmosphäre heiße Getränke und schier endlos viel Kuchen genießen. Denn jeder, der einen Stand betreut, wird gebeten als Standgebühr einen Kuchen zu backen. Ihr könnt die Kuchen testen und bewerten. Euer Liebling erhält am Ende einen Preis.

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Von 12 Uhr bis 19 Uhr
Eintritt frei
Für einen Stand, meldet euch bei info(at)franz-mehlhose.de
Gebühr ist ein selbstgemachter Kuchen, für Tische ist gesorgt.

Kuckuck! Herzlich willkommen zu meinem Live-Retreat „Yoga gegen Rechts“Ich weiß – seltsamer Titel, aber die mögliche Alternativen waren eindeutig zu sperrig: „Euer Scheiß stört meine Selfcare“, „Irgendwas mit toxischer Achtsamkeit“ oder „Die fabelhafte Welt der Ambiguitätstoleranz“. Wie gewohnt gibt es eine solide Mischung aus Stand-Up-Comedy und lustigen Kurzgeschichten. Im Grunde zwei Stunden Superfun! Eigentlich wollte ich Bratsche spielen und gehobene Weltliteratur vortragen, aber ich möchte nicht angeben.

Hier ein willkürlicher Pressetext, den mir die seelenlose künstliche Intelligenz von ChatGPT ausgespuckt hat: „Comedian und Autor Patrick Salmen seziert urbane Selbstoptimierer im scheinbar widersprüchlichen Konflikt von wirksamer Politisierung und der stillen Sehnsucht nach Eskapismus. (Das klingt klug) „Yoga gegen Rechts“ vereint Kurzgeschichten mit trockenem Humor, bissigen Dialogen und messerscharfen Beobachtungen. Mit satirischem Scharfsinn und viel Selbstironie entlarvt Patrick Salmen die pathologischen Züge achtsamkeitsbesessener Stadtneurotiker, denn niemand weiß so gut wie der Dortmunder Bühnenkünstler, dass einem das Gegenüber oft nur deshalb so schräg vorkommt, weil man gerade in einen Spiegel schaut. (Dieser Satz ergibt eindeutig keinen Sinn!) Auch in seiner fünften Kurzgeschichten-Sammlung begegnet Patrick Salmen der seltsamen Spezies namens Mensch mit dem gebotenen Mitgefühl. Was ihn keineswegs daran hindert, den Finger genüsslich in die ein oder andere neo-esoterische Wunde zu legen.“ (Hört! Hört!)

Besser hätte ich das jetzt auch nicht sagen können. Also eilen Sie herbei und bringen Sie ihre innere Korkmatte mit. Im Anschluss gibt’s gemeinsame Asanas, psychedelische Atemübungen und melodischen Deep-House. Einfach klasse!

Das Konzert wird von uns im THEATER ERFURT veranstaltet.

KAT FRANKIE
B O D I E S

Bereits 2020 brachten wir die phänomenale Show in die Erfurter Alte Oper. Schon damals wurde das Konzert von über 800 Leuten mit Standing Ovations belohnt.

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2018 spielte Kat Frankie beim Elbjazz Festival in Hamburg ein akustisches Solo-Set in der Hauptkirche St. Katharinen gegenüber der Speicherstadt. Der natürliche Nachhall im Sakralraum, ließ ihre dunkle Stimme besonders wirken. Darum beschloss die in Berlin lebende australische Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die zweite Hälfte der Show einem A-cappella-Experiment zu widmen. Zusammen mit fünf Sängerinnen spielte sie sieben Songs, von denen fünf eigens für diesen Auftritt arrangiert wurden. Die anderen beiden hatte Frankie schon zuvor als A-cappella-Parts in ihre Shows eingebaut.

Den Grund dafür nannte sie in einem Interview gegenüber dem Deutschlandfunk: „Singen ist körperlich. Wenn wir singen, bewegen sich unsere Körper, vibrieren, wir harmonisieren mit anderen Leuten. Und das ist ein sehr schönes Gefühl.“ Das Publikum in der Hansestadt jedenfalls war euphorisiert. Frankie war überrascht von dieser Reaktion, aber auch überzeugt, dass es hier noch viel zu erforschen gab: 2019 erschien die „BODIES“-EP, im Januar 2020 debütierte das inzwischen achtköpfige Ensemble abendfüllend im ausverkauften RBB Sendesaal in Berlin, gefolgt von vier ebenfalls ausverkauften Konzerten in Veranstaltungsorten wie der Elbphilharmonie und dem Konzerthaus Dortmund. Es sollten im April 2020 noch zwei ausverkaufte Volksbühnen Konzerte in Berlin folgen.

Aber zu diesen kam es durch Corona dann schon nicht mehr. Seither verbrachte die Sängerin viel Zeit damit, Soundtracks zu produzieren, sich in Malerei zu üben und ihr fünftes, vergangenes Jahr erschienenes Album „Shiny Things“ aufzunehmen. Aber immer wartete sie darauf, die BODIES wieder auf die Bühne zu bringen – schließlich war es die Pandemie, die Kat Frankie dazu gezwungen hat, ihr Herzensprojekt auf der Bühne zwischenzeitlich zu stoppen und ihre Kreativität anderweitig auszuleben. „Es gibt keine Instrumente, was aus irgendeinem Grund unglaublich befreiend ist. Wenn acht Leute auf der Bühne sind – acht Körper, acht Stimmen und sonst nichts – scheinen die üblichen Strukturen und Erwartungen nicht zu gelten“, so die Künstlerin über das Live-Erlebnis. „Ich bin eine Songwriterin und die Bühnenshow trägt meine Song-DNA in sich. Es gibt aber auch Stücke, die ich geschrieben habe, über Autonomie, Arbeit und Kolonisation. Große, dramatische Lieder und sehr schöne, fast zärtliche, harmonische Momente. Ich glaube kaum, dass es etwas Vergleichbares gibt“, so Kat Frankie. Voller neuer Ideen und Konzepte kann die Musikerin es kaum erwarten, mit BODIES im Theater Erfurt zu spielen.

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Das Konzert findet im Theater Erfurt, Theaterplatz 1 statt.

Bobby Oroza ist bekannt für seine gefühlvollen Liebesballaden, den Boom-Bap-Sound seiner Band und die positive Stimmung, die seine Songs hinterlassen. Doch hinter der Oberfläche steckt ein poetischer Sucher, getrieben von der Sehnsucht nach Sinn und der Suche nach dem Gemeinsamen in allem. Sein neues Album “Get On The Otherside” auf Big Crown Records reflektiert diese Entwicklung und behandelt Themen wie Selbstreflexion und die Macht über das eigene Leben.

Aufgewachsen in Helsinki als Sohn einer bolivianischen Mutter und eines finnischen Vaters, war Musik immer ein zentraler Teil von Bobbys Leben. Seine Einflüsse reichen von südamerikanischer Volksmusik über Motown bis hin zu Jazz. Sein musikalisches Talent führte ihn schließlich zu Cold Diamond & Mink, wo seine erste Single “This Love” entstand.

Nach einer herausfordernden Zeit während der Pandemie, in der Bobby als Bauarbeiter seine Familie unterstützen musste, reflektierte er über sich selbst und seine Verantwortung. Diese Erfahrungen flossen in sein neues Album ein. Lieder wie “The Otherside” thematisieren Veränderungen und die Notwendigkeit, sich selbst zu überwinden, um weiterzukommen. Mit neuen Perspektiven und weniger Ego zeigt Bobby nun seine demütige, optimistische Seite und ermutigt andere, die eigenen Begrenzungen zu überwinden, um ein erfülltes Leben in Liebe zu führen.

Seit vielen Jahren ist das Duo Jan Plewka und Marco Schmedtje ein Garant für intensive musikalische Momente. Mit Zinoba hatten sie von 2003 bis 2005 eine gemeinsame Band. Mit der mittlerweile zweiteiligen Reihe „Jan Plewka singt Rio Reiser“ setzten sie der Band Ton Steine Scherben sowie den Songs ihres verstorbenen Frontmanns Rio Reiser live und auf Platte ein außergewöhnliches Denkmal, ergänzt um eine großartige Liveband und eine audiovisuelle Umsetzung, die ebenso modernes Theater wie mitreißendes Livekonzert ist. Es folgte die Annäherung an zwei andere, von beiden nicht minder geschätzte Künstler, Simon & Garfunkel. Mit all diesen Begegnungen dieser großen Künstler aus der Vergangenheit gingen sie auch immer wieder auf Tour, dabei entstand ein weiteres Programm mit dem Titel „Between the Bars“, bei dem die beiden nun völlig bezugsoffen nicht mehr nur ihre fein ziselierten, leisen und akustisch reduzierten, dabei aber doch so dringlich intensiven Coverversionen darboten, sondern auch eigene Songs aus dem Katalog von Zinoba, so wie den jeweiligen Soloalben von Plewka und Schmedtje. Dann und wann mischte sich dabei auch noch eine andere Coverversion ins Programm, meist Songs, die von der Jugend und musikalischen Sozialisation der beiden erzählten. Und so entstand die Idee für ein weiteres Coveralbum: „Between the 80’s“, eine Sammlung aus durchweg höchst erfolgreichen Songs – man darf sagen: Klassikern – dieses Jahrzehnts, komplett neu und in ihrer ganz eigenen Weise interpretiert. 

Von „Smalltown Boy“ bis „Billy Jean“, von „Wild Boys“ bis „The Power of Love“, von „Hello“ his „Material Girl“, von „Africa“ bis „Ain’t Nobody“ – man braucht nur die Titel nennen, und sofort hat man die Melodie dazu im Kopf. Doch dann hört man diese neuen Versionen – und entdeckt regelrecht einen neuen Song darin, dazwischen und dahinter. „Ich wollte halt endlich auch mal ein Album machen, auf dem sich ein paar Hits befinden“, lacht Marco, doch Jan, der sonst ebenso viel lacht, bleibt an der Stelle ganz ernst: „Das sind alles Songs aus unserer ganz persönlichen Vergangenheit, mit diesen Stücken ist viel Emotionalität verbunden. Unsere jeweils persönlichen Listen an potenziellen Songs für diese Platte waren entsprechend lang.“ Und Marco ergänzt: „Natürlich muss man dann schauen, ob so ein Song auch in unserer Klangwelt funktioniert. Manche Songs lassen sich eben super herunterbrechen auf dieses minimalistische Arrangement aus einer Gitarre und zwei Stimmen, bei anderen fehlt da dann aber doch einfach zu viel.“ 

Bemerkenswert ist dabei, dass viele Songs bei der Transformation in die Plewka-/Schmedtje-Welt nicht nur einen anderen Vibe und eine frische, hoch authentische Atmosphäre erhielten, sondern zudem einen ganz neuen Groove. „Das war eben auch ein wichtiger Teil an dem Prozess, diese Songs zu ‚unseren‘ Songs zu machen, sie nicht nur zu kopieren, sondern in der uns eigenen Weise zu interpretieren. Oder vielleicht eben auch so, wie sie dereinst ursprünglich mal geschrieben wurden, bevor sie dann von der typischen 80er-Soundästhetik mit Kitsch und Pomp aufgeladen wurden. Wenn man diese Lieder so maximal reduziert, merkt man sehr schnell, wie viel Substanz in diesen Kompositionen steckt“, so Marco. Und dies zum Teil eben auch inhaltlich. Natürlich gebe es da die Songs, die in ihrer persönlichen Erinnerung vor allem für lange Autofahrten mit Dosenbier, für den ersten Kuss am Autoscooter oder, andererseits, den ersten Liebeskummer stehen – und generell für eine, wie Jan befindet, „sehr bunte Jugend in den 80ern, die wir noch mal neu mit goldenen Pinseln malen“. Doch andere wiederum erhielten für sie bei der Auseinandersetzung damit noch einmal eine ganz andere Form von Zeitlosigkeit. „Nimm nur ‚Forever Young‘ von Alphaville, dieses vermeintlich so kitschige Lied, dessen Inhalt sich aber mit dem Atomkrieg auseinander setzt. Ich glaube, dessen sind sich sehr viele gar nicht bewusst.“ 

Intensiv waren auch die Aufnahmen als solche für die beiden alten Hasen, die schon so unzählig viele Platten gemeinsam und getrennt voneinander einspielten. Das gesamte Album entstand im vergangenen Winter in der Küche von Marco Schmedtje: ein kleiner Raum, reduzierte, aber qualitativ hochwertige Aufnahmetechnik, darin die beiden Musiker, räumlich und emotional ganz nah beieinander. Ein Prozess, der diese beiden Freunde, ohnehin durch die Musik schon sehr lange auf engste Weise verbunden, nur noch weiter zusammen geschweißt hat. Nun, da dieses so intime und persönliche Album da ist, geht es aber vom Inneren wieder hinaus in die Welt: „Wir wollen mit diesen Songs auf die Bühne“, erklärt Jan. „Und zwar genau so: zu zweit, mit einer Gitarre und unseren beiden Stimmen.“ Es wird an diesen Abenden noch so manche Song-Überraschung geben, die auf dieser Platte noch nicht zu hören ist. So, wie sie sich auch selbst immer mal wieder überrascht haben bei der Aufnahme dieser Songs: „Dass ich mal mit voller Hingabe und einer solchen Begeisterung einen Song von Toto aufnehmen würde, ist so ziemlich das letzte, was ich selber erwartet hätte“, lacht Marco. Viel gelacht wird garantiert auch bei den Live-Abenden, die nun auf dieses Album folgen werden, schon weil sie hier so manche Geschichte aus ihrer eigenen Jugend auspacken, die herrliche Bilder zu der Musik bieten. Und schon spürt man, dass diese beiden profitierten Musiker nach ihren Zyklen zu Ton Steine Scherben/Rio Reiser und Simon & Garfunkel ein neues, wunderbares Spielfeld gefunden haben, dessen musikalischer Rahmen sowie die Art, wie sie diese Songs zu ihren eigenen machen, kaum Grenzen zu kennen scheint. 

“PERVEKT” – Stand-Up Musik-Comedy

Den Pressetext für sein neues Programm selbst zu schreiben, ist ein bisschen wie onanieren vorm Spiegel – selten lustig. Trotzdem muss es gemacht werden. Also nicht das Onanieren vorm Spiegel, sondern das Schreiben des Pressetextes. Mein neues Programm heißt „Pervekt“, weil mein Leben eben Pervekt ist. An guten Tagen steh ich vorm Geldautomaten. An schlechten Tagen steh ich vorm Pfandautomaten. Am Ende vom Tag komm ich auf Null raus. Sag ich zumindest dem Finanzamt. Ich wurde 1986 in der ehemaligen DDR geboren. Nackt und ohne Geld. Aber das ist der Zustand, in dem man am gefährlichsten ist. Und am lustigsten. Heute, 38 Jahre später, befinde ich mich wieder in diesem Zustand. Mein Leben ist Pervekt.

Preise:
• Passauer Scharfrichterbeil
• Dortmunder Comedy & Kabarett Pockal
• Goldene Weißwurscht Münch

KESHAVARA entwickelt sich aus einem Soloprojekt des deutsch-indischen Musikers Keshav Purushotham. Initialzündung ist eine vom Goethe Institut organisierte Künstlerresidenz, die ihn 2013 in seine zweite Heimat Südindien führt. Auf der Suche nach seinen Wurzeln entstehen in Chennai, Pondicherry und Auroville die ersten Tracks des Debütalbums »Keshavara«, das 2016 über das gemeinsam mit seinem Partner Steddy geführte Label Papercup Records veröffentlicht wird.

Die große Resonanz auf das Album führt 2017 zur Gründung des Ensembles KESHAVARA in der Stammbesetzung Keshav Purushotham (Gesang, Gitarre), Niklas Schneider (Schlagzeug, Perkussion), Benedikt Filleböck (Keyboards), Christopher Martin (Bass). 2020 werden Keshavara mit dem renommierten popNRW-Preis in der Kategorie »Outstanding Artist« ausgezeichnet und bringen erstmals das »Kabinett der Phantasie« auf die Bühne, wo sie Musik, Schauspiel und Choreografie zu einem vaudeville-inspirierten, avantgardistischen Spektakel verweben. Parallel zur filmischen Umsetzung dieser »Peepshow durch das Pop- Kaleidoskop« (Deutschlandfunk) arbeitet Keshav gemeinsam mit Niklas Schneider am gleichnamigen Album, das 2021 erscheint.

Es folgen zahlreiche gefeierte Auftritte, bei denen Keshav, Niklas, Benedikt und Christopher mehr und mehr zusammenwachsen. War das Debüt von KESHAVARA noch ein Solo- und der Nachfolger »Kabinett der Phantasie« im Kern ein Duo-Projekt, ist das schlicht »III« betitelte dritte Album also ein echtes Band-Album. Darauf verquirlen die gewieften Soundalchemisten an Library-Kompositionen und psychedelischen Soundtracks geschulten Kraut-Pop, Dub-not-Dub-Exkursionen und zuckersüß mäandernde Melodien mit den Grooves einer Rhythmusgruppe, die sich auch in den Tonstudios des funky Beirut der Mittsiebziger Zuhause gefühlt hätte. Das Ergebnis sind mit surrealistischem Zuckerrand gekrönte Cocktails mit der Wirkung einer halluzinogenen Götterspeise. Musik, die schillert und flirrt, wie eine Fata Morgana in der Wüste

Eine Lesung aus drei Büchern über Depeche Mode

Sascha Lange lädt wieder ein zu einem unterhaltsamen und nostalgischen Abend voller
Geschichten, Bilder & Videos von und über Depeche Mode, ihren Fans und diesem besonderen
Lebensgefühl.

Depeche Mode sind seit mehr als 40 Jahren eine der faszinierendsten Bands weltweit. Sascha Lange
und Dennis Burmeister haben ihr in den letzten 12 Jahren mit ihren drei Bestsellern Depeche Mode
MONUMENT, Behind The Wall – Depeche Mode Fankultur in der DDR und zuletzt Depeche Mode
LIVE umfangreiche und reich bebilderte Denkmäler gesetzt, die in mehrere Sprachen übersetzt
wurden.

Nach der oftmals ausverkauften Lesetour zu Depeche Mode LIVE 2023/24 geht Sascha Lange mit
einem neuen reich bebilderten Programm aus allen drei Büchern wieder auf Reisen. Ein
unterhaltsamer Abend voller Fanliebe, Nostalgie und Überraschendes über die Lieblingsband von
zehntausenden Menschen in Deutschland und weltweit.

Es wird natürlich sehr fetzig…

“Tannenecker Ouvertüre”

Yorick Thiede ist ein Novum auf der deutschen Comedy-Bühne, alles von seiner Erscheinung bis hin zum Stand Up selbst spielt sich zwischen Gegensätzen ab. Sein Auftreten wirkt grob, sein Gedanke ist feinfühlig, die Vortragsweise ist trocken, die Geschichten sind mitreißend und irgendwo im Pendel zwischen diesen Facetten steht ein leicht zu begreifender aber schwer zu greifender junger Mann. Yorick hat eine natürliche Leichtigkeit in seinem Storytelling. Jede noch so surreale Geschichte wird innerhalb von wenigen Sekunden so dreidimensional und erlebbar gemacht als wäre man selbst vor Ort.

In seinem Debüt-Soloprogramm „Tannenecker Ouvertüre“, welches namentlich einen Wald in seinem Heimatort referenziert, kommt alles zum Besten, was ihn über die letzten Jahre als eines der interessantesten neuen Talente bekannt gemacht hat. Erzählungen über Thiedes Aufwachsen auf einem Schleswig-Holsteiner Bauernhof, seine von Kleinkriminalität geprägte Jugend in der Provinz und die Konflikte zwischen seiner dadurch entstandenen Persönlichkeit und dem gegenwärtigen Leben sind stets von absurden Zusätzen und Theorien durchzogen, die dem Unsinn noch einen logischen Schluss verleihen.

Bacao Rhythm & Steel Band, das mysteriöse Steeldrum-Ensemble aus Hamburg, hat sich weltweit eine treue Fangemeinde aufgebaut. Mit einer Reihe 7”-Singles und drei von der Kritik gefeierten Alben haben sie die Messlatte für sich selbst hoch gelegt – eine Messlatte, die sie mit ihrem neuen Werk weiter anheben wollen. Auf ihrem vierten Album BRSB kehren Bacao zurück mit mehr vom Gleichen – aber mehr vom Gleichen bedeutet bei ihnen immer etwas anderes. Sie covern Songs, die Genres und Zeiten überspannen, von Mega-Hits bis zu Underground-Tracks, und machen sie sich mit ihrem einzigartigen Ansatz der traditionellen Steelpans aus Trinidad und Tobago zu eigen.

Ein Teil der Faszination eines neuen Bacao Rhythm & Steel Band-Albums liegt darin, herauszufinden, welche Songs sie covern; genauso spannend ist es jedoch, ihre eigenen Originalstücke zu entdecken, von denen diese Platte einige hervorhebt. Der Album-Opener „In The Crosshairs“ ist ein rauer, midtempo Track, der zum Kopfnicken einlädt, während „Grilled“ und „Treasure Quest“ das Tempo mit starken afrikanischen Funk-Einflüssen anziehen. Mit „Hazy Memories“ taucht Bacao tief ein in einen basslastigen Slow Burner, der zwischen hypnotisch und mitreißend pendelt. Diese Originals beweisen, dass der Begriff „Cover-Band“ auf Bacao nicht zutrifft. Dennoch bleiben sie der Tradition der Steelpan-Musik treu und covern fleißig weiter. Diesmal mit starkem West Coast Hip Hop-Einfluss, darunter Songs wie „How We Do“ von Game & 50 Cent, „Nuthin But A G Thang“ von Dr. Dre & Snoop Dogg und „Got My Mind Made Up“ von Tupac, die durch das BRSB Steel-Pan-Treatment eine neue Energie erhalten. Ein weiterer Tanzflächenfüller ist die Coverversion von Claudja Barrys Disco-Klassiker „Love For The Sake Of Love“, den sie in eine Dub-Version verwandeln und passenderweise den Titel in „Love For The Sake Of Dub“ ändern. Aus der aktuellen Hip-Hop-Szene covern sie Drakes „Hotline Bling“ und „Love$ick“ von Mura Masa & A$AP Rocky. Eine Überraschung ist ihr Cover der „Stranger Things Theme“, bei dem sie den synthlastigen Original-Soundtrack der Serie in eine noch hypnotischere Version verwandeln.

Bacao nimmt die Hörer auf eine Reise durch eine Vielzahl von Energien, Tempi und Stimmungen mit, alles unter einem gemeinsamen musikalischen Dach. Diese Songs sind lebendig und werden aus dem Kontext dieses Albums herausgenommen und noch viele Jahre in DJ-Sets auf der ganzen Welt eingearbeitet. Die Bacao Rhythm & Steel Band baut weiter an ihrem Erbe und schiebt die Grenzen der Steelpan-Musik mit einem weiteren soliden musikalischen Werk voran.

A world traveler’s perspective on American folk-rock – ROLLING STONE [US]

Ian Fisher verließ sein Heimatbundesland Missouri im Alter von 21 Jahren, um 15 Jahre lang durch die Straßen Europas zu ziehen. Seine Musik, die vom Rolling Stone als „halb Americana & halb Abbey Road-würdiger Pop“ beschrieben wird, verbindet seine ländliche, im Mittleren Westen geprägte Erziehung mit einer Feinfühligkeit, die durch seine Zeit im Ausland entstanden ist. Einfach, aber emotional komplex, hat er den akustischen Charme eines frühen Jeff Tweedy und einen sentimentalen Schreibstil à la Townes Van Zandt.

Fisher hat zweitausend Songs geschrieben und sie bei tausend Auftritten in Europa, Afrika und Nordamerika gespielt. Er lebt zwischen Toronto, Wien und der Familienfarm. Ian Fisher wird sein neuestes Album „Go Gentle“ 2025 auf Tournee präsentieren, zusammen mit Jonas David (Keys & Percussion), Johanna Seitinger (Backing Vocals & Bass) und Richard Case (Pedal Steel Guitar).

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Eine Show mit Oddisees unfassbar guten Live-Band “Good Compny” ist ein Must-See – nicht nur für Rap-Fans, sondern alle, die handgemachte Live-Musik schätzen. Nebenbei ist Amir einer der wenigen Musiker, die Wort halten und nach ihren Shows bei uns (trotz gestiegener Bekanntheit) “always come back”.

Oddisee vereint vielfältige Einflüsse: Geboren in Washington DC wird er von einem sudanesischen Vater und einer afroamerikanischen Mutter in Maryland groß gezogen. Genau so untypisch wie seine Wurzeln ist auch seine Position im amerikanischen Rap-Zirkus. Amir Mohamed el Khalifa, wie Oddisee bürgerlich heißt, glänzt nicht etwa durch bodenlose Angeberei, sondern durch Inhalte: „Ich komme aus DC. Wir sind sehr politisch, Politik liegt uns im Blut.“, sagt er selbst über seine Musik, eine Art Anti-These zum Streetrap.

Er ist bekannt für seine Gabe, gesellschaftskritische und nachdenkliche Texte mit der richtigen Portion Eingängigkeit zu kombinieren. Dabei kann sich el Khalifa neben seinen Rap-Skills auch auf seine Talent als Produzent verlassen. Im Sommer 2012 erschien sein erstes Studioalbum, People Hear What They See, das von iTunes UK und USA prompt zum „Rap/Hip Hop Album des Jahres“ erkoren wurde.

Im Jahr 2015 kehrte er mit seinem zweiten Album “The Good Fight” zurück, einem Werk, das von Sozialkommentar und Retro-Soul angetrieben wird. Die Single “That’s Love” erschien in zahlreichen Ländern und wurde für mehrere Werbespots und internationale Kampagnen in den USA, Deutschland, Großbritannien, Irland und Neuseeland lizenziert.

Das Album brachte Oddisee und seine Band “Good Compny” zweimal auf Welttournee und trat bei großen Festivals wie Glastonbury, Sasquatch, North Sea Jazz Festival, Roskilde und Dour auf.