Das Medium 16mm-Film passt ausgezeichnet in die goldene Zeit des Lokals FRANZ MEHLHOSE um Anfang des 20. Jahrhunderts. Deshalb haben wir den Pianisten Richard Siedhoff eingeladen. Er gräbt immer wieder neue Schätze aus und begleitet sie bei uns live am Klavier. Der ganze Abend ist eine Reise in die Zeit der innovativen Komödianten, ratternden Projektoren und Faszination für das aufregende Medium Kino.

Songs mit fesselnder Tiefe, beeindruckende Vocals in schwereloser Harmonie, coming of age in reverb. So Soon um die Multiinstrumentalisten, Songwriter und Producer David Stöbener und Marco Braun schaen Musik, die trotz eines impressionistischen Ansatzes im Sounddesign und Storytelling enorme Größe und Kraft entwickelt. Indie Pop und Folk verschmelzen mit Electronica und Postrock zu einem bewegenden Ganzen – sowohl auf den Aufnahmen, als auch in mitreißenden Konzerten mit voller Band. 2024 erscheint So Soons Debut im Albumformat, begleitet von einer umfassenden Tour.

Wir führen unsere Tradition der beschaulichen Adventsmärkte fort! Schon die letzten Male stöberten viele viele Gäste über den ganzen Tag verteilt an den kleinen Ständen. Am 3. Advent gibt es bei uns ausschließlich Selbstgemachtes, Malereien, Kunsthandwerk usw.

Wieder wollen wir neben den herkömmlichen Ständen auch die Besucher zum Selbstmachen animieren.
Mit Ständen, an denen Kinder und Erwachsene eigenständig kreativ werden können und eigene Geschenke anfertigen.

Unser Café hat natürlich geöffnet. Ihr könnt also in entspannter Atmosphäre heiße Getränke und schier endlos viel Kuchen genießen. Denn jeder, der einen Stand betreut, wird gebeten als Standgebühr einen Kuchen zu backen. Ihr könnt die Kuchen testen und bewerten. Euer Liebling erhält am Ende einen Preis.

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Von 12 Uhr bis 19 Uhr
Eintritt frei
Dieses Jahr gab es enorm viele Anfrage und alle Stände sind bereits vergeben.

präsentiert vom Highslammer e.V.

Poetry Slam ist ein Wettstreit der Bühnenperformance und der Texte. Erlaubt ist dabei kein Schnickschnack, nur ein selbstgeschriebener Text und 6 Minuten Zeit, um das Publikum zu überzeugen. Und das alles in der FRANZ MEHLHOSE – stets mit feinster Stimmung und handverlesenem Lineup.

MITMACHEN?! Kein Problem: Trag dich in unsere “offene Liste” ein und du bist dabei! Schreib an: slamspiele@gmail.com.

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Moderation: Friedrich Herrmann.
Die Veranstaltung ist teilbestuhlt.

„Guten Tag, kleines Schweinchen“

Der kleine Tiger und der kleine Bär leben fröhlich zusammen. Der Bär angelt im Fluss Fische und der Tiger holt im Wald Pilze. Eines Tages trifft der kleine Tiger das kleine Schweinchen. Da vergisst er beim spielen, toben, schwimmen und Schlabberteig schlabbern, seinen Freund den Bären. Wie es dazu kommen konnte und wie alles wieder gut wird, erzählt die Puppenspielerin Anna Füllein der Geschichte „Guten Tag kleines Schweinchen“ von Janosch für Kinder ab 3 Jahre.

Regie: Christian Georg Fuchs
Puppen, Kostüm und Bühne: Kristine Stahl
Spiel: Anna Fülle
Dauer: 40 Minuten
Merlin Verlag, Gifkendorf

Eines Tages kam der kleine Tiger nicht mehr nach Hause. Er hatte das kleine Schweinchen getroffen und viel mit ihm erlebt. Der kleine Tiger zog zu dem kleinen Schweinchen in den Schweinestall. Vergessen ist der kleine Bär. Doch dann muss der kleine Tiger das kleine Schweinchen bedienen: Holz holen, Ofen heizen, Essen kochen. Da fällt ihm der kleine Bär wieder ein und er rennt nach Hause – aber der Freund ist nicht mehr da. Der kleine Bär hat sich inzwischen auf den Weg gemacht, den kleinen Tiger zu suchen. Höchst einfallsreich und einfühlsam wird die bekannte Geschichte über falsche und wahre Freundschaft aus Janoschs berühmter Panama-Serie von der Puppenspielerin Anna Fülle dargeboten: unter ihrem üppigen Rock zaubert sie eine Guckkastenbühne hervor, auf der die sympathischen Geschöpfe des Zeichners Janosch ihre packenden Abenteuer erleben.

Zur Puppenspielerin:
Anna Fülle ist 1975 in Berlin geboren und in Mecklenburg Vorpommern aufgewachsen. Studierte Puppenspielkunst an der Hochschule für Schauspielkunst „Ernst Busch“. Sie lebt in Weimar und arbeitet als freischaffende Puppenspielerin. 2014 gründete sie das Theater Kokon, nachdem sie viele Jahre erst im Theater Naumburg und dann im Theater Waidspeicher Erfurt engagiert war.

Richard Spaven – Drums
Stuart McCallum (Cinematic Orchestra) – Guitar
Yves Fernandez (Lianne LaHavas) – Bass
Feat. Tendayi Mutongerwa – Vocals

Mit Wurzeln in der britischen Club- und Hip-Hop-Szene bringt der Drummer Richard Spaven einen frischen Ansatz an sein Instrument, der gleichzeitig modern und traditionell ist. Er kombiniert maschinenähnliche Präzision mit jazzbeeinflussten, improvisatorischen Fähigkeiten, was ihm Auftritte mit Künstlern wie dem britischen Rapper Loyle Carner, dem Australier Jordan Rakei, Guru vom Hip-Hop-Duo Gang Starr, Produzent Flying Lotus, dem Jazz/Hip-Hop-Sänger José James und dem Brainfeeder-Künstler Jameszoo eingebracht hat.

Spavens Brillanz zeigt sich nicht nur in seiner erstklassigen Performance, sondern auch in seinen beeindruckenden Fähigkeiten in den Bereichen Produktion und Komposition. Kürzlich veröffentlichte der Schlagzeuger sein fünftes Soloalbum 'Spirit Beats', das erneut sein facettenreiches Talent unter Beweis stellt. Spavens charakteristischer Drumsound kombiniert oft hochgestimmte, knackige Snares, runde, jazzige Toms und kleine, durchsetzungsstarke Bassdrums. Seine Beckenwahl bietet einen klanglichen Kontrast aus trockenen, tiefer gestimmten Hi-Hats, Rides und Crashes.

Insgesamt könnte man Spavens Sound als eine Hommage an die Vergangenheit beschreiben, der gleichzeitig in die Zukunft gerichtet ist. Wie seine Kompositionen ist auch Spavens Schlagzeugspiel schwer zu fassen und genreübergreifend. Er meidet häufig konventionelle Downbeats und Kadenzen zugunsten von raffinierten Synkopierungen und klanglichen Störungen, die man von einem DJ erwarten würde. Kein 16tel-Noten-Schlag bleibt unerforscht in einigen seiner von Drum ’n' Bass und Dubstep inspirierten Erkundungen.

Text von Terry Branam / Modern Drummer

"Wichtig, witzig, wehmütig. Gut.«
– Ronja von Rönne

"Ein Buch wie eine Flaschenpost aus einer anderen, schmerzhaft naiven Zeit. Ein bisschen unheimlich. Aber auch unheimlich gut.«  – Friedemann Karig

Kuckuck! Herzlich willkommen zu meinem Live-Retreat „Yoga gegen Rechts“Ich weiß – seltsamer Titel, aber die mögliche Alternativen waren eindeutig zu sperrig: „Euer Scheiß stört meine Selfcare“, „Irgendwas mit toxischer Achtsamkeit“ oder „Die fabelhafte Welt der Ambiguitätstoleranz“. Wie gewohnt gibt es eine solide Mischung aus Stand-Up-Comedy und lustigen Kurzgeschichten. Im Grunde zwei Stunden Superfun! Eigentlich wollte ich Bratsche spielen und gehobene Weltliteratur vortragen, aber ich möchte nicht angeben.

Hier ein willkürlicher Pressetext, den mir die seelenlose künstliche Intelligenz von ChatGPT ausgespuckt hat: „Comedian und Autor Patrick Salmen seziert urbane Selbstoptimierer im scheinbar widersprüchlichen Konflikt von wirksamer Politisierung und der stillen Sehnsucht nach Eskapismus. (Das klingt klug) „Yoga gegen Rechts“ vereint Kurzgeschichten mit trockenem Humor, bissigen Dialogen und messerscharfen Beobachtungen. Mit satirischem Scharfsinn und viel Selbstironie entlarvt Patrick Salmen die pathologischen Züge achtsamkeitsbesessener Stadtneurotiker, denn niemand weiß so gut wie der Dortmunder Bühnenkünstler, dass einem das Gegenüber oft nur deshalb so schräg vorkommt, weil man gerade in einen Spiegel schaut. (Dieser Satz ergibt eindeutig keinen Sinn!) Auch in seiner fünften Kurzgeschichten-Sammlung begegnet Patrick Salmen der seltsamen Spezies namens Mensch mit dem gebotenen Mitgefühl. Was ihn keineswegs daran hindert, den Finger genüsslich in die ein oder andere neo-esoterische Wunde zu legen.“ (Hört! Hört!)

Besser hätte ich das jetzt auch nicht sagen können. Also eilen Sie herbei und bringen Sie ihre innere Korkmatte mit. Im Anschluss gibt’s gemeinsame Asanas, psychedelische Atemübungen und melodischen Deep-House. Einfach klasse!

Das Konzert wird von uns im THEATER ERFURT veranstaltet.

KAT FRANKIE
B O D I E S

Bereits 2020 brachten wir die phänomenale Show in die Erfurter Alte Oper. Schon damals wurde das Konzert von über 800 Leuten mit Standing Ovations belohnt.

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2018 spielte Kat Frankie beim Elbjazz Festival in Hamburg ein akustisches Solo-Set in der Hauptkirche St. Katharinen gegenüber der Speicherstadt. Der natürliche Nachhall im Sakralraum, ließ ihre dunkle Stimme besonders wirken. Darum beschloss die in Berlin lebende australische Sängerin, Songwriterin und Produzentin, die zweite Hälfte der Show einem A-cappella-Experiment zu widmen. Zusammen mit fünf Sängerinnen spielte sie sieben Songs, von denen fünf eigens für diesen Auftritt arrangiert wurden. Die anderen beiden hatte Frankie schon zuvor als A-cappella-Parts in ihre Shows eingebaut.

Den Grund dafür nannte sie in einem Interview gegenüber dem Deutschlandfunk: „Singen ist körperlich. Wenn wir singen, bewegen sich unsere Körper, vibrieren, wir harmonisieren mit anderen Leuten. Und das ist ein sehr schönes Gefühl.“ Das Publikum in der Hansestadt jedenfalls war euphorisiert. Frankie war überrascht von dieser Reaktion, aber auch überzeugt, dass es hier noch viel zu erforschen gab: 2019 erschien die „BODIES“-EP, im Januar 2020 debütierte das inzwischen achtköpfige Ensemble abendfüllend im ausverkauften RBB Sendesaal in Berlin, gefolgt von vier ebenfalls ausverkauften Konzerten in Veranstaltungsorten wie der Elbphilharmonie und dem Konzerthaus Dortmund. Es sollten im April 2020 noch zwei ausverkaufte Volksbühnen Konzerte in Berlin folgen.

Aber zu diesen kam es durch Corona dann schon nicht mehr. Seither verbrachte die Sängerin viel Zeit damit, Soundtracks zu produzieren, sich in Malerei zu üben und ihr fünftes, vergangenes Jahr erschienenes Album „Shiny Things“ aufzunehmen. Aber immer wartete sie darauf, die BODIES wieder auf die Bühne zu bringen – schließlich war es die Pandemie, die Kat Frankie dazu gezwungen hat, ihr Herzensprojekt auf der Bühne zwischenzeitlich zu stoppen und ihre Kreativität anderweitig auszuleben. „Es gibt keine Instrumente, was aus irgendeinem Grund unglaublich befreiend ist. Wenn acht Leute auf der Bühne sind – acht Körper, acht Stimmen und sonst nichts – scheinen die üblichen Strukturen und Erwartungen nicht zu gelten“, so die Künstlerin über das Live-Erlebnis. „Ich bin eine Songwriterin und die Bühnenshow trägt meine Song-DNA in sich. Es gibt aber auch Stücke, die ich geschrieben habe, über Autonomie, Arbeit und Kolonisation. Große, dramatische Lieder und sehr schöne, fast zärtliche, harmonische Momente. Ich glaube kaum, dass es etwas Vergleichbares gibt“, so Kat Frankie. Voller neuer Ideen und Konzepte kann die Musikerin es kaum erwarten, mit BODIES im Theater Erfurt zu spielen.

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Das Konzert findet im Theater Erfurt, Theaterplatz 1 statt.

“A masterful and sensitive musician”
– The Telegraph

“Virtuoso”
– The Times

“Dreamy acoustics”
– XLR8R

MANU DELAGO feat. MAD ABOUT LEMON

Der zweifach Grammy-nominierte Komponist und Perkussionist Manu Delago kollaboriert für sein neues außergewöhnliches Album "Snow from Yesterday" (One Little Independent Records) mit dem Vokalensemble Mad About Lemon und geht damit gemeinsam auf große Europatournee.

"Als ich Mad About Lemon vor ein paar Jahren entdeckte, war ich von ihren feinfühligen Gesangsarrangements überwältigt. Sie schaffen unglaublich schöne Harmonien, die das Beste aus Lead- und Chorgesang vereinen. Ich wollte sofort mit ihnen Musik machen und freue mich sehr, dass wir nach vielen Songwriting- und Aufnahmesessions die Musik nun mit einem Publikum teilen können", erzählt Manu Delago.

Das neue Album ist dynamisch, facettenreich und kraftvoll. Manu Delago’s Handpan-Virtuosität ist die rhythmische Lebenskraft von Snow From Yesterday und erzeugt gefühlvolle Klänge, über die sich der verwobene Gesang von Mad About Lemon ausbreiten kann. Es werden Gletschergebirge, Flüsse bis hin zu kleinste Wassertropfen besungen und über Reisen und Stationen des Lebens erzählt, die uns mit Orten und Menschen verbinden und nachhaltig verändern können.

"Viele meiner letzten Projekte waren sehr abenteuerlich, konzeptionell und umweltorientiert. Mit Snow from Yesterday wollte ich die Musik wieder in den Vordergrund stellen und eine berührende Klangwelt erschaffen, was mir dank der Magie der drei Sängerinnen Anna, Mimi und Heidi wirklich gelungen ist.“

Der Tiroler Musiker arbeitet regelmäßig mit verschiedenen artists wie Björk, Anoushka Shankar, The Cinematic Orchestra und Olafur Arnalds zusammen und ist als Solist u.a. mit dem London Symphony Orchestra und dem Metropole Orkest aufgetreten. Nach Auftritten in über 50 Ländern hat er außerdem bereits zwei ausgedehnte Konzerttourneen mit dem Fahrrad absolviert. Auf der "ReCycling Tour" 2021 und 2023 spielten seine Band und Crew rund 20 Konzerte entlang einer 1400 km langen Fahrradroute, wobei sie ihre gesamtes Equipment in Fahrradanhängern transportierten.

Manu Delago ist bekannt für seine kreativen und spannungsgeladenen Livekonzerte. Auf der kommenden Tour wird er mit den drei Sängerinnen von Mad About Lemon und Clemens Rofner am Bass und Synthesizer performen. Alle bedienen dabei nicht nur verschiedene akustische und elektronische Instrumente, sondern steuern auch Formen und Farben zu visuellen Kunstwerken bei, die live mit der Musik entstehen.

Snow From Yesterday reist über endlose ozeanische Weiten und Jahrtausende hinweg und erzählt Geschichten, die versuchen uns Menschen als Teil eines größeren Ganzen zu sehen. Schließlich münden alle Flüsse ins Meer.

Line up:
Manu Delago (handpans, percussion & FX)
Clemens Rofner (bass & synths)

Mad About Lemon
Anna Widauer (vocals & colours)
Mimi Schmid (vocals & colours)
Valerie Costa (vocals & colours)

Bei 20er Jahre Ambiente und Kronleuchtercharme präsentiert Friedrich Herrmann »Gelungener Abend – Standup Comedy«. Hier erwarten euch ausgewählte Stand-Up-Comedians mit ihrem besten Material. Keine Latzhosen und Schnurrbärte, sondern authentischer und smarter Stand-Up, der zuvor auf zahlreichen Open Mics getestet und rundgespielt wurde.

Die Wiedergeburt des Souls – eingeleitet von Lee Fields, Sharon Jones und Charles Bradley Anfang der 2000er – injizierte eine ordentliche Dosis Authentizität in die weichgespülte Pop-Welt. Vor einigen Jahren betrat ein weiteres Original der Szene Bühne: Kelly Finnigan.

Der Songwriter wächst in einem Haushalt voller Musik auf. Sein Vater Mike Finnigan, selbst Musiker, spielte bereits Orgel für Jimi Hendrix, Joe Cocker oder Etta James. Obwohl Sohn Kelly ursprünglich beschließt, einen anderen Weg zu gehen („Mein Vater macht es sowieso schon besser.“), hört man mittlerweile nicht nur den Einfluss seines alten Herren, sondern auch dessen früherer Bandleader: kernige, leidenschaftliche Vocals und ein Fingergefühl an den Tasten das direkt aus der Seele kommt. Von klassischem Unterricht hielt er sich erfolgreich fern: “Ich habe gerade mal drei oder vier Klavier-Stunden genommen, bevor ich keine Lust meht hatte. Stattdessen wollte ich lieber auf dem billigen Remo-Drumkit in der Ecke meines Zimmer herumdreschen.“

Auf seinem Debüt-Album „The Tells People Tell“ (2019) vereint Finnigan Einflüsse seines Lebens: den guten alten Soul und R&B der 60s/70s, aber auch – Hip Hop. Denn in seiner Zeit als Jugendlicher weckte ein befreundeter DJ Kellys Begeisterung für Sampling und Beats. Mit einer wachsenden Plattensammlung legte er nicht nur bald auf unzähligen Schulparties, sondern brachte sich auch auf einem ersparten Fender Rhodes bei, seine Lieblings-Songs zu nachzuspielen.

Über die Jahre kooperierte er mit der Band Destruments und schrieb unter anderem Instrumentals für diverse Rapper, um 2010 als Sänger und Organist beim Psychedelic-Funk-Kollektiv Monophonics einzusteigen – und 2014 auch ein unvergessliches Konzert im Erfurter FRANZ MEHLHOSE zu geben.

„Retro“ ist sicher ein Begriff, der vielen sofort in den Sinn kommt, aber Kelly Finnigan macht vor allem zeitlose, echte Musik und gibt auch selbst zu: „Ich versuche nicht, das Rad neu zu erfinden. Ich möchte die Leute einfach daran erinnern, dass das Rad so eine verdammt gute Erfindung war“.

Er wird von seiner 7-köpfigen Band "The Atonements" begleitet.

Bobby Oroza ist bekannt für seine gefühlvollen Liebesballaden, den Boom-Bap-Sound seiner Band und die positive Stimmung, die seine Songs hinterlassen. Doch hinter der Oberfläche steckt ein poetischer Sucher, getrieben von der Sehnsucht nach Sinn und der Suche nach dem Gemeinsamen in allem. Sein neues Album "Get On The Otherside" auf Big Crown Records reflektiert diese Entwicklung und behandelt Themen wie Selbstreflexion und die Macht über das eigene Leben.

Aufgewachsen in Helsinki als Sohn einer bolivianischen Mutter und eines finnischen Vaters, war Musik immer ein zentraler Teil von Bobbys Leben. Seine Einflüsse reichen von südamerikanischer Volksmusik über Motown bis hin zu Jazz. Sein musikalisches Talent führte ihn schließlich zu Cold Diamond & Mink, wo seine erste Single "This Love" entstand.

Nach einer herausfordernden Zeit während der Pandemie, in der Bobby als Bauarbeiter seine Familie unterstützen musste, reflektierte er über sich selbst und seine Verantwortung. Diese Erfahrungen flossen in sein neues Album ein. Lieder wie "The Otherside" thematisieren Veränderungen und die Notwendigkeit, sich selbst zu überwinden, um weiterzukommen. Mit neuen Perspektiven und weniger Ego zeigt Bobby nun seine demütige, optimistische Seite und ermutigt andere, die eigenen Begrenzungen zu überwinden, um ein erfülltes Leben in Liebe zu führen.

Seit vielen Jahren ist das Duo Jan Plewka und Marco Schmedtje ein Garant für intensive musikalische Momente. Mit Zinoba hatten sie von 2003 bis 2005 eine gemeinsame Band. Mit der mittlerweile zweiteiligen Reihe „Jan Plewka singt Rio Reiser“ setzten sie der Band Ton Steine Scherben sowie den Songs ihres verstorbenen Frontmanns Rio Reiser live und auf Platte ein außergewöhnliches Denkmal, ergänzt um eine großartige Liveband und eine audiovisuelle Umsetzung, die ebenso modernes Theater wie mitreißendes Livekonzert ist. Es folgte die Annäherung an zwei andere, von beiden nicht minder geschätzte Künstler, Simon & Garfunkel. Mit all diesen Begegnungen dieser großen Künstler aus der Vergangenheit gingen sie auch immer wieder auf Tour, dabei entstand ein weiteres Programm mit dem Titel „Between the Bars“, bei dem die beiden nun völlig bezugsoffen nicht mehr nur ihre fein ziselierten, leisen und akustisch reduzierten, dabei aber doch so dringlich intensiven Coverversionen darboten, sondern auch eigene Songs aus dem Katalog von Zinoba, so wie den jeweiligen Soloalben von Plewka und Schmedtje. Dann und wann mischte sich dabei auch noch eine andere Coverversion ins Programm, meist Songs, die von der Jugend und musikalischen Sozialisation der beiden erzählten. Und so entstand die Idee für ein weiteres Coveralbum: „Between the 80’s“, eine Sammlung aus durchweg höchst erfolgreichen Songs – man darf sagen: Klassikern – dieses Jahrzehnts, komplett neu und in ihrer ganz eigenen Weise interpretiert. 

Von „Smalltown Boy“ bis „Billy Jean“, von „Wild Boys“ bis „The Power of Love“, von „Hello“ his „Material Girl“, von „Africa“ bis „Ain’t Nobody“ – man braucht nur die Titel nennen, und sofort hat man die Melodie dazu im Kopf. Doch dann hört man diese neuen Versionen – und entdeckt regelrecht einen neuen Song darin, dazwischen und dahinter. „Ich wollte halt endlich auch mal ein Album machen, auf dem sich ein paar Hits befinden“, lacht Marco, doch Jan, der sonst ebenso viel lacht, bleibt an der Stelle ganz ernst: „Das sind alles Songs aus unserer ganz persönlichen Vergangenheit, mit diesen Stücken ist viel Emotionalität verbunden. Unsere jeweils persönlichen Listen an potenziellen Songs für diese Platte waren entsprechend lang.“ Und Marco ergänzt: „Natürlich muss man dann schauen, ob so ein Song auch in unserer Klangwelt funktioniert. Manche Songs lassen sich eben super herunterbrechen auf dieses minimalistische Arrangement aus einer Gitarre und zwei Stimmen, bei anderen fehlt da dann aber doch einfach zu viel.“ 

Bemerkenswert ist dabei, dass viele Songs bei der Transformation in die Plewka-/Schmedtje-Welt nicht nur einen anderen Vibe und eine frische, hoch authentische Atmosphäre erhielten, sondern zudem einen ganz neuen Groove. „Das war eben auch ein wichtiger Teil an dem Prozess, diese Songs zu ‚unseren‘ Songs zu machen, sie nicht nur zu kopieren, sondern in der uns eigenen Weise zu interpretieren. Oder vielleicht eben auch so, wie sie dereinst ursprünglich mal geschrieben wurden, bevor sie dann von der typischen 80er-Soundästhetik mit Kitsch und Pomp aufgeladen wurden. Wenn man diese Lieder so maximal reduziert, merkt man sehr schnell, wie viel Substanz in diesen Kompositionen steckt“, so Marco. Und dies zum Teil eben auch inhaltlich. Natürlich gebe es da die Songs, die in ihrer persönlichen Erinnerung vor allem für lange Autofahrten mit Dosenbier, für den ersten Kuss am Autoscooter oder, andererseits, den ersten Liebeskummer stehen – und generell für eine, wie Jan befindet, „sehr bunte Jugend in den 80ern, die wir noch mal neu mit goldenen Pinseln malen“. Doch andere wiederum erhielten für sie bei der Auseinandersetzung damit noch einmal eine ganz andere Form von Zeitlosigkeit. „Nimm nur ‚Forever Young‘ von Alphaville, dieses vermeintlich so kitschige Lied, dessen Inhalt sich aber mit dem Atomkrieg auseinander setzt. Ich glaube, dessen sind sich sehr viele gar nicht bewusst.“ 

Intensiv waren auch die Aufnahmen als solche für die beiden alten Hasen, die schon so unzählig viele Platten gemeinsam und getrennt voneinander einspielten. Das gesamte Album entstand im vergangenen Winter in der Küche von Marco Schmedtje: ein kleiner Raum, reduzierte, aber qualitativ hochwertige Aufnahmetechnik, darin die beiden Musiker, räumlich und emotional ganz nah beieinander. Ein Prozess, der diese beiden Freunde, ohnehin durch die Musik schon sehr lange auf engste Weise verbunden, nur noch weiter zusammen geschweißt hat. Nun, da dieses so intime und persönliche Album da ist, geht es aber vom Inneren wieder hinaus in die Welt: „Wir wollen mit diesen Songs auf die Bühne“, erklärt Jan. „Und zwar genau so: zu zweit, mit einer Gitarre und unseren beiden Stimmen.“ Es wird an diesen Abenden noch so manche Song-Überraschung geben, die auf dieser Platte noch nicht zu hören ist. So, wie sie sich auch selbst immer mal wieder überrascht haben bei der Aufnahme dieser Songs: „Dass ich mal mit voller Hingabe und einer solchen Begeisterung einen Song von Toto aufnehmen würde, ist so ziemlich das letzte, was ich selber erwartet hätte“, lacht Marco. Viel gelacht wird garantiert auch bei den Live-Abenden, die nun auf dieses Album folgen werden, schon weil sie hier so manche Geschichte aus ihrer eigenen Jugend auspacken, die herrliche Bilder zu der Musik bieten. Und schon spürt man, dass diese beiden profitierten Musiker nach ihren Zyklen zu Ton Steine Scherben/Rio Reiser und Simon & Garfunkel ein neues, wunderbares Spielfeld gefunden haben, dessen musikalischer Rahmen sowie die Art, wie sie diese Songs zu ihren eigenen machen, kaum Grenzen zu kennen scheint. 

"Der finnische Musiker Jimi Tenor schafft einen besonderen Spagat: Obwohl er regelmäßig verschiedenste Genres, Einflüsse und Stimmungen verbindet und durcheinander wirbelt und man nie so genau weiß, was man als nächstes zu hören bekommt, klingt seine Musik doch immer nach Jimi Tenor."
– Deutschland Funk

Dieser extrem produktive Künstler mag zwar seine Zeit damit verbringen, durch die nahegelegenen Wälder zu streifen, dort Pilze zu sammeln oder sich in kreativer Stimmung in sein Heimstudio zurückzuziehen, aber seine neusten Alben Order of Nothingness und Aulos, die auf Max Weissenfeldts Philophon Records erschienen sind, klingen so gar nicht nach Einsamkeit. Ganz im Gegensatz dazu platzt es geradezu vor Lebenslust, Energie und Lebendigkeit. Tenor bewegt sich auf Order of Nothingness in einem referentiellen Rahmen zwischen den Hymnen des Hobo-Hippies Eden Ahbez und den Jazz-Visionen eines Yusef Lateef, getragen durch die Energie ghanaischer Highlife-Rhythmen, die allerdings von einer gehörigen Prise „krautigem“ Cosmic Jazz überzogen werden – das Ergebnis nennt sich kurz Kraut-Life: die Fröhlichkeit des Highlife trifft hier auf die romantische Melancholie des Finnen – Kraut ist im Übrigen auch fester Bestandteil der finnischen, nicht nur der deutschen Küche. „I definitely didn’t have any theme in mind“, sagt Tenor über den lebhaften und abwechslungsreichen Ton auf dem Album, „I just wanted to do an album that has some groovy beats.“ Und diese verbinden sich wie eigentlich alle Songs, die Jimi Tenor schreibt, mit Texten über Liebe und Hedonismus, verpackt in vielen Metaphern.

Aulos ist ein organisches Werk, das hauptsächlich mit akustischen Instrumenten eigespielt wurde. Das Berliner Philophon-Studio, in dem das Album eingespielt wurde, ist voll von ungewöhnlichen Instrumenten: Vintage-Keyboards, exotische Streichinstrumente, afrikanisches Schlaginstrumente, sogar ein ganzes Gamelan-Orchester hätte eingesetzt werden können. Für Jimi ist es jedes Mal ein Ort der Inspiration, wenn er die heiligen Hallen des Studios in Kreuzberg betritt, da exotische Klangerzeuger schon immer seine Leidenschaft waren.

Tenor beschreibt die ihm eigene Art von Musik auch als „Mind Travel Music“, eine Praxis, die weiter weg liegende Planeten durch die Mittel der Phantasie und des Klangs erreichen will. „What’s the point to send our fragile bodies there? There’s no oxygen and there’s dangerous radiation. Might as well send machines there.”

Bei Konzerten überträgt Jimi Tenor seinen Ansatz der Mind Travel Music ins Publikum, vor allem, wenn er improvisiert: „ I love to try stuff on stage that has never been tried. In my regular day-to-day life I’m not a wild person, but onstage I come alive. I almost always perform with my eyes shut, if I look at the crowd … I lose the plot.”

"PERVEKT" – Stand-Up Musik-Comedy

Den Pressetext für sein neues Programm selbst zu schreiben, ist ein bisschen wie onanieren vorm Spiegel – selten lustig. Trotzdem muss es gemacht werden. Also nicht das Onanieren vorm Spiegel, sondern das Schreiben des Pressetextes. Mein neues Programm heißt „Pervekt“, weil mein Leben eben Pervekt ist. An guten Tagen steh ich vorm Geldautomaten. An schlechten Tagen steh ich vorm Pfandautomaten. Am Ende vom Tag komm ich auf Null raus. Sag ich zumindest dem Finanzamt. Ich wurde 1986 in der ehemaligen DDR geboren. Nackt und ohne Geld. Aber das ist der Zustand, in dem man am gefährlichsten ist. Und am lustigsten. Heute, 38 Jahre später, befinde ich mich wieder in diesem Zustand. Mein Leben ist Pervekt.

Preise:
• Passauer Scharfrichterbeil
• Dortmunder Comedy & Kabarett Pockal
• Goldene Weißwurscht Münch

KESHAVARA entwickelt sich aus einem Soloprojekt des deutsch-indischen Musikers Keshav Purushotham. Initialzündung ist eine vom Goethe Institut organisierte Künstlerresidenz, die ihn 2013 in seine zweite Heimat Südindien führt. Auf der Suche nach seinen Wurzeln entstehen in Chennai, Pondicherry und Auroville die ersten Tracks des Debütalbums »Keshavara«, das 2016 über das gemeinsam mit seinem Partner Steddy geführte Label Papercup Records veröffentlicht wird.

Die große Resonanz auf das Album führt 2017 zur Gründung des Ensembles KESHAVARA in der Stammbesetzung Keshav Purushotham (Gesang, Gitarre), Niklas Schneider (Schlagzeug, Perkussion), Benedikt Filleböck (Keyboards), Christopher Martin (Bass). 2020 werden Keshavara mit dem renommierten popNRW-Preis in der Kategorie »Outstanding Artist« ausgezeichnet und bringen erstmals das »Kabinett der Phantasie« auf die Bühne, wo sie Musik, Schauspiel und Choreografie zu einem vaudeville-inspirierten, avantgardistischen Spektakel verweben. Parallel zur filmischen Umsetzung dieser »Peepshow durch das Pop- Kaleidoskop« (Deutschlandfunk) arbeitet Keshav gemeinsam mit Niklas Schneider am gleichnamigen Album, das 2021 erscheint.

Es folgen zahlreiche gefeierte Auftritte, bei denen Keshav, Niklas, Benedikt und Christopher mehr und mehr zusammenwachsen. War das Debüt von KESHAVARA noch ein Solo- und der Nachfolger »Kabinett der Phantasie« im Kern ein Duo-Projekt, ist das schlicht »III« betitelte dritte Album also ein echtes Band-Album. Darauf verquirlen die gewieften Soundalchemisten an Library-Kompositionen und psychedelischen Soundtracks geschulten Kraut-Pop, Dub-not-Dub-Exkursionen und zuckersüß mäandernde Melodien mit den Grooves einer Rhythmusgruppe, die sich auch in den Tonstudios des funky Beirut der Mittsiebziger Zuhause gefühlt hätte. Das Ergebnis sind mit surrealistischem Zuckerrand gekrönte Cocktails mit der Wirkung einer halluzinogenen Götterspeise. Musik, die schillert und flirrt, wie eine Fata Morgana in der Wüste

Eine Lesung aus drei Büchern über Depeche Mode

Sascha Lange lädt wieder ein zu einem unterhaltsamen und nostalgischen Abend voller
Geschichten, Bilder & Videos von und über Depeche Mode, ihren Fans und diesem besonderen
Lebensgefühl.

Depeche Mode sind seit mehr als 40 Jahren eine der faszinierendsten Bands weltweit. Sascha Lange
und Dennis Burmeister haben ihr in den letzten 12 Jahren mit ihren drei Bestsellern Depeche Mode
MONUMENT, Behind The Wall – Depeche Mode Fankultur in der DDR und zuletzt Depeche Mode
LIVE umfangreiche und reich bebilderte Denkmäler gesetzt, die in mehrere Sprachen übersetzt
wurden.

Nach der oftmals ausverkauften Lesetour zu Depeche Mode LIVE 2023/24 geht Sascha Lange mit
einem neuen reich bebilderten Programm aus allen drei Büchern wieder auf Reisen. Ein
unterhaltsamer Abend voller Fanliebe, Nostalgie und Überraschendes über die Lieblingsband von
zehntausenden Menschen in Deutschland und weltweit.

Es wird natürlich sehr fetzig…

"Tannenecker Ouvertüre"

Yorick Thiede ist ein Novum auf der deutschen Comedy-Bühne, alles von seiner Erscheinung bis hin zum Stand Up selbst spielt sich zwischen Gegensätzen ab. Sein Auftreten wirkt grob, sein Gedanke ist feinfühlig, die Vortragsweise ist trocken, die Geschichten sind mitreißend und irgendwo im Pendel zwischen diesen Facetten steht ein leicht zu begreifender aber schwer zu greifender junger Mann. Yorick hat eine natürliche Leichtigkeit in seinem Storytelling. Jede noch so surreale Geschichte wird innerhalb von wenigen Sekunden so dreidimensional und erlebbar gemacht als wäre man selbst vor Ort.

In seinem Debüt-Soloprogramm „Tannenecker Ouvertüre“, welches namentlich einen Wald in seinem Heimatort referenziert, kommt alles zum Besten, was ihn über die letzten Jahre als eines der interessantesten neuen Talente bekannt gemacht hat. Erzählungen über Thiedes Aufwachsen auf einem Schleswig-Holsteiner Bauernhof, seine von Kleinkriminalität geprägte Jugend in der Provinz und die Konflikte zwischen seiner dadurch entstandenen Persönlichkeit und dem gegenwärtigen Leben sind stets von absurden Zusätzen und Theorien durchzogen, die dem Unsinn noch einen logischen Schluss verleihen.

Bacao Rhythm & Steel Band, das mysteriöse Steeldrum-Ensemble aus Hamburg, hat sich weltweit eine treue Fangemeinde aufgebaut. Mit einer Reihe 7”-Singles und drei von der Kritik gefeierten Alben haben sie die Messlatte für sich selbst hoch gelegt – eine Messlatte, die sie mit ihrem neuen Werk weiter anheben wollen. Auf ihrem vierten Album BRSB kehren Bacao zurück mit mehr vom Gleichen – aber mehr vom Gleichen bedeutet bei ihnen immer etwas anderes. Sie covern Songs, die Genres und Zeiten überspannen, von Mega-Hits bis zu Underground-Tracks, und machen sie sich mit ihrem einzigartigen Ansatz der traditionellen Steelpans aus Trinidad und Tobago zu eigen.

Ein Teil der Faszination eines neuen Bacao Rhythm & Steel Band-Albums liegt darin, herauszufinden, welche Songs sie covern; genauso spannend ist es jedoch, ihre eigenen Originalstücke zu entdecken, von denen diese Platte einige hervorhebt. Der Album-Opener „In The Crosshairs“ ist ein rauer, midtempo Track, der zum Kopfnicken einlädt, während „Grilled“ und „Treasure Quest“ das Tempo mit starken afrikanischen Funk-Einflüssen anziehen. Mit „Hazy Memories“ taucht Bacao tief ein in einen basslastigen Slow Burner, der zwischen hypnotisch und mitreißend pendelt. Diese Originals beweisen, dass der Begriff „Cover-Band“ auf Bacao nicht zutrifft. Dennoch bleiben sie der Tradition der Steelpan-Musik treu und covern fleißig weiter. Diesmal mit starkem West Coast Hip Hop-Einfluss, darunter Songs wie „How We Do“ von Game & 50 Cent, „Nuthin But A G Thang“ von Dr. Dre & Snoop Dogg und „Got My Mind Made Up“ von Tupac, die durch das BRSB Steel-Pan-Treatment eine neue Energie erhalten. Ein weiterer Tanzflächenfüller ist die Coverversion von Claudja Barrys Disco-Klassiker „Love For The Sake Of Love“, den sie in eine Dub-Version verwandeln und passenderweise den Titel in „Love For The Sake Of Dub“ ändern. Aus der aktuellen Hip-Hop-Szene covern sie Drakes „Hotline Bling“ und „Love$ick“ von Mura Masa & A$AP Rocky. Eine Überraschung ist ihr Cover der „Stranger Things Theme“, bei dem sie den synthlastigen Original-Soundtrack der Serie in eine noch hypnotischere Version verwandeln.

Bacao nimmt die Hörer auf eine Reise durch eine Vielzahl von Energien, Tempi und Stimmungen mit, alles unter einem gemeinsamen musikalischen Dach. Diese Songs sind lebendig und werden aus dem Kontext dieses Albums herausgenommen und noch viele Jahre in DJ-Sets auf der ganzen Welt eingearbeitet. Die Bacao Rhythm & Steel Band baut weiter an ihrem Erbe und schiebt die Grenzen der Steelpan-Musik mit einem weiteren soliden musikalischen Werk voran.

A world traveler’s perspective on American folk-rock – ROLLING STONE [US]

Ian Fisher verließ sein Heimatbundesland Missouri im Alter von 21 Jahren, um 15 Jahre lang durch die Straßen Europas zu ziehen. Seine Musik, die vom Rolling Stone als „halb Americana & halb Abbey Road-würdiger Pop“ beschrieben wird, verbindet seine ländliche, im Mittleren Westen geprägte Erziehung mit einer Feinfühligkeit, die durch seine Zeit im Ausland entstanden ist. Einfach, aber emotional komplex, hat er den akustischen Charme eines frühen Jeff Tweedy und einen sentimentalen Schreibstil à la Townes Van Zandt.

Fisher hat zweitausend Songs geschrieben und sie bei tausend Auftritten in Europa, Afrika und Nordamerika gespielt. Er lebt zwischen Toronto, Wien und der Familienfarm. Ian Fisher wird sein neuestes Album „Go Gentle“ 2025 auf Tournee präsentieren, zusammen mit Jonas David (Keys & Percussion), Johanna Seitinger (Backing Vocals & Bass) und Richard Case (Pedal Steel Guitar).

„Şeker Tour 2025“

Da ist sie also endlich: jene dringend benötigte frische Perspektive für den alternativen Indie-Sound, die doch eigentlich so naheliegend ist und immer war. ENGIN fusionieren psychedelischen Pop mit anatolischem Rock und etablieren aus dem Stegreif einen Stil, den es so kein zweites Mal hierzulande gibt. Obwohl die drei herrlich offenen Mannheimer mit „Mesafeler“ (2024) erst ihr zweites Album veröffentlicht haben, hat sich in den hiesigen Feuilletons landauf landab schnell herumgesprochen, was für ein Glücksfall diese Neuerfindung deutsch-türkischer Popmusik doch wirklich ist.

So eklektisch die musikalischen Einflüsse, so vielseitig und ehrlich sind auch die Texte, in denen Sänger Engin Devekiran Entfremdung und Versöhnung, Schönheit und Schmutz, das ganze tragikomische Leben zwischen den Kulturräumen thematisiert. Eine Band, die trotz ihrer noch jungen Karriere ganz Großes vor sich hat. Mit einer erfolgreichen Türkei-Tour im Rücken präsentieren ENGIN auf ihrer „Şeker Tour 2025“ neue Songs zwischen Melancholie und Brachialität – freut euch auf ein mitreißendes Konzerterlebnis!

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Eine Show mit Oddisees unfassbar guten Live-Band "Good Compny" ist ein Must-See – nicht nur für Rap-Fans, sondern alle, die handgemachte Live-Musik schätzen. Nebenbei ist Amir einer der wenigen Musiker, die Wort halten und nach ihren Shows bei uns (trotz gestiegener Bekanntheit) "always come back".

Oddisee vereint vielfältige Einflüsse: Geboren in Washington DC wird er von einem sudanesischen Vater und einer afroamerikanischen Mutter in Maryland groß gezogen. Genau so untypisch wie seine Wurzeln ist auch seine Position im amerikanischen Rap-Zirkus. Amir Mohamed el Khalifa, wie Oddisee bürgerlich heißt, glänzt nicht etwa durch bodenlose Angeberei, sondern durch Inhalte: „Ich komme aus DC. Wir sind sehr politisch, Politik liegt uns im Blut.“, sagt er selbst über seine Musik, eine Art Anti-These zum Streetrap.

Er ist bekannt für seine Gabe, gesellschaftskritische und nachdenkliche Texte mit der richtigen Portion Eingängigkeit zu kombinieren. Dabei kann sich el Khalifa neben seinen Rap-Skills auch auf seine Talent als Produzent verlassen. Im Sommer 2012 erschien sein erstes Studioalbum, People Hear What They See, das von iTunes UK und USA prompt zum „Rap/Hip Hop Album des Jahres“ erkoren wurde.

Im Jahr 2015 kehrte er mit seinem zweiten Album "The Good Fight" zurück, einem Werk, das von Sozialkommentar und Retro-Soul angetrieben wird. Die Single "That’s Love" erschien in zahlreichen Ländern und wurde für mehrere Werbespots und internationale Kampagnen in den USA, Deutschland, Großbritannien, Irland und Neuseeland lizenziert.

Das Album brachte Oddisee und seine Band "Good Compny" zweimal auf Welttournee und trat bei großen Festivals wie Glastonbury, Sasquatch, North Sea Jazz Festival, Roskilde und Dour auf.

DIE SEHNSUCHT DER STERNE

Ein schaumhaftes Bouquet jazzaktiver Hits für genussbegabte, melodieverliebte Menschen! Wundervoll leichte Musik mit leicht wundersamen Texten! Ein eigenes Genre, eine Reise zu den Sternen, von Hammerbrook bis zu den Plejaden! JACQUES PALMINGER & 440 HERTZ machen es so, wie nur sie es machen – in ihrem winzigen Proberaum im Hochbunker am Hammer Deich, auf ihren Konzerten von Hamburg bis Zürich.

Sie machen kein Geheimnis aus der Rezeptur ihrer Flugsalbe: Melancholische Eingebungen, vom Hamburger Regen angespült, mit Zauberjazz aufgeschlagen! Ihre Jazz-Rakete pfeift auf flüssigen Wasserstoff! Sie glauben nicht an UFOs, sie glauben an Tartufos! Sie wollen in der Musik transzendieren! Dream-Pop mit deutschen Texten, mehrstimmig gesungen und live eingespielt. Die gemeinsame Vision, traumhaft melodiöse Musik im Stil der späten sechziger Jahre mit deutschen Texten und mehrstimmigem Gesang im Jetzt und Hier ankommen.

Jacques Palminger (Texte und Gesang)
Lydia Schmidt (Gesang, Orgel)
Richard von der Schulenburg (E-Piano, Gesang)
Lieven Brunckhorst (Saxophon, Querflöte)
John Raphael Burgess (Bass)
Olve Strelow (Schlagzeug, Gesang)

„Lord of The Amazing Panther sind die Antwort auf Alles.“
– DJ Koze

"Lord of The Amazing Panther – Keep it simple war gestern"
– Arnim Teutobug Weiß (Beatsteaks)

"Amazing"
– Siriusmo

Diese zunächst unscheinbaren unglaublichen Berglöwen-Herren schleichen sich lautlos wie ungesehen heran, bis sie schließlich mit einem mächtige Satz dem Versteck entweichen und dir einen beatreichen Prankenhieb auf die Ohren geben. Denn ‘Lord Of The Amazing Panther’ sind so etwas wie Steroide-Pumas, eine echte Geheimtipp-Supergroup straight outta Berlin.

Jedes Mitglied für sich ein Monster an Arbeitsgerätschaft und zusammen das wohl heißeste Groovepaket der Hauptstadt. Im Einzelnen: Bassist ist mit Marsimoto/Marteria unterwegs, der DJ hat seine musikalischen Weihen als eben solcher und auch als Producer für Acts wie Seeed, Peter Fox oder Dendemann empfangen, Gitarrist ist bekannt durch The Krauts, während der Drummer beim Moses Yoofee Trio, Casper, Drangsal oder Schmyt spielt(e). Ein Wahnsinniger. Noch Fragen? Bass, Gitarre und DJ formten bereits die legendäre Band Lychee Lassi, die sich weit über Berlin hinaus den Ruf als grandioser Live-Act verdient hat und einem Kid Koala ein “You guys are on some next level shit” entlockte. Mit Lord of The Amazing Panther zeigt insbesondere Schlippenbach (DJ Illvibe) erstmals seine eigene musikalische Vision. Sie spielen mit bedingungsloser Hingabe an Beats, Improvisation und immer mit präzisem Sound-Fetischismus. Der Panther springt weit und immer unvorhersehbar, bedient sich leichtfüßig verschiedenster Einflüsse und spielt einen höchst eigenständigen musikalischen Kosmos absolut unmissverständlich und kompromisslos auf den Punkt. Oh, my Lord, welch Freude und was für ein Fest.

Sofia, Bulgarien – der Halleysche Komet zieht über den Himmel, als Daniel Stoyanov geboren wird. Seither hält sein mystischer Verfolger, die „Slow Bullet“, die „langsame Kugel“, ihn in Bewegung. Angetrieben von der weisen Mahnung „If you don’t move, It’ll get you“, zieht er nun in seiner 91er E-Klasse unter dem Pseudonym ‚Bulgarian Cartrader‘ im magischen Schafwollmantel seines Onkels Ivan durch die Lande und erzählt seine Geschichten – Willkommen im Bulgarian Cartrader-Universum!

Sein Debütalbum, mit dem er nun auf Tour geht, schrieb und produzierte Stoyanov allein in völliger Isolation. So entstand das detailreiche, eklektische „Motor Songs“, das aus dem Nichts sowohl Kritiker als auch Fans in den Indie-Bubbles weltweit entzückte: der Musikexpress gab 5 Sterne („Pop, sehr sehr schlauer Pop“), bei FM4 landete die Single „LAB“ auf der #1 und bei radioeins schaffte es „Golden Rope“ in die Jahres-Top-10 der Hörercharts 2022. Spätestens nach den Shows bei der L.A. School Night („hands down the best set we’ve ever had!”), beim ESNS in den Niederlanden („charming and personable rock-star“, EXBERLINER) und in Paris, hat sich BCT international herumgesprochen.

Von feel-good Indie-Ohrwürmen samt garantierten „Soft Moshpits“, pathetischen Singalong-Parts, feinsten Jazz Einflüssen, hin zu Spoken-Word-Introspektionen, sitzt der natural-born Entertainer mit seiner Band am Steuer eines vielseitigen Test-Drives, der zum Tanzen, Singen, Träumen und Lachen einlädt.